디지털영화와 필름영화

정성일: 비싼 디지털 영화들이 있죠. 올해 초에 개봉한 3천만 불짜리 <클로버필드>도 디지털로 찍은 영화고 <스타워즈>도 LCD로 찍은 영화고. 비싼 디지털 영화들도 있고 또 저예산 디지털영화들도 있고. 하지만 사람들이 갖고 있는 제일 큰 오해 중의 하나는 디지털을 선택한 이유를 ‘사실 나는 필름으로 찍고 싶지만 저예산이라서 할 수 없이 디지털로 찍어’ 라고 생각하는 겁니다. 그렇게 생각하는 순간 그 영화는 진짜 싸구려 영화가 된다고 봅니다. 즉, 감독 자신이 디지털로 찍어야 된다는 미학적인 필요성, 또 그것이 만들어내는 특별한 감수성, 정체성이 있습니다.

이렇게 생각해보면 어떨까 싶습니다. 종종 제가 비교하는 것 중의 하나인데, 두 종류의 영화가 있습니다. 하나는 필름, 또 하나는 디지털로 찍는 겁니다. 두 개의 차이점에 대해서 적절한 비유가 있습니다. 필름은 한번 찍으면 지울 수가 없기 때문에 잘 준비해서 아주 비싼 돈이 드는 장비와 기술자들과 숙련된 솜씨로 수많은 연출 끝에 딱 한번에 찍어야 되지 않습니까? 르네상스시대의 프레스코화가 그랬습니다. 그런데, 어느 날 갑자기 캔버스가 만들어지고 화가들이 자기 캔버스를 들고 거리에 나가서 그림을 그리기 시작했습니다. 말하자면 인상주의 그림들이죠. 거리에 나가서 그림을 그리기 시작하면서 프레스코화와 완전히 다른 가능성의 세계를 열어 젖힌 셈이죠. 저는 필름과 디지털의 차이는 회화에서 프레스코화와 캔버스의 차이만큼 근본적인 다른 길을 선택할 때에만 디지털의 길이 열리는 것이라고 생각을 합니다.

필름으로 작업을 하면서 지아 장커 감독의 <스틸 라이프>의 장면을 종종 예로 듭니다. 자오 타오가 방을 왔다 갔다 하면서 답답해하다가 선풍기 바람을 쏘이는 장면이 있습니다. 처음에 지아 장커 감독은 이 장면의 연기를 어떻게 찍어야 할지 몰랐다고 합니다. 어떻게 하든 자오 타오의 연기가 안 나오더라는 겁니다. 그래서, 모든 스탭들을 철수시키고 감독과 촬영감독과 배우 세 명만 남아서 자오 타오에게 ‘네가 답답해 지는 걸 내가 알아서 잘라서 쓸 테니까. 너는 왔다갔다해’ 하고 카메라를 돌리기 시작했습니다. 한 시간이 지나고 두 시간이 지나고 세 시간이 지나고, 자오 타오 자신이 답답해진 겁니다. 왔다갔다 하다가 자기도 모르게 선풍기 앞에 가서 바람을 쏘이는 그 순간을 네 시간 만에 찍은 겁니다. 이 순간에 지아 장커 감독은 ‘됐어, 이걸 쓰면 된다’고 했습니다. 우리는 영화에서 이 장면을 30초 봤지만 네 시간 반을 족히 걸려 찍은 겁니다.

말하자면 ‘탕진한다’고 밖에 말할 수 없는 시간의 무한정한 소비 끝에 얻어내는 디지털 영화의 일상성은 필름으로는 얻어질 수 없습니다. 한 장면을 위해 필름을 네 시간 반을 돌리면 미친 놈이죠. 이건 <놈놈놈>도 할 수 없는 일입니다. 송강호 씨한테 답답한 연기를 찍을 테니 계속 연기를 해봐 하면서 프린트를 돌리지 못합니다. 왜 10분마다 매거진을 갈아야 되니까요. 필름은 일상성의 리듬을 전혀 공들이지 않고도 찍을 수 있으니까요. 하나의 예에 불과하지만, 이러한 선택을 할 때에 디지털 영화가 갖는 가능성이 열리는 것이라고 생각하는 쪽입니다.

경쟁부문 초청작들을 살펴보면 중국 출품작이 6편으로 가장 많다.

항상 영화제를 하면서 한가지 말씀 드리고 싶은 것은 영화제는 올림픽이 아니라는 겁니다. 중국영화가 몇 편 나오고, 일본영화가 몇 편 나오고, 한국영화가 몇 편 나오는 건 하나도 중요하다고 생각하지 않습니다. 심지어 영화가 훌륭하다면 저는 한 감독의 영화가 경쟁부문에 두 편 올 수도 있다고 생각합니다. 올해 온 감독 중에 일본의 이시이 유야 감독이 있습니다. 이 친구가 재작년 여름부터 올해 봄까지 장편 네 편을 찍었습니다. 문제는 영화가 ‘좋다’는 겁니다. 저희 영화제 기간에 초청될 영화는 세 번째 영화나 네 번째 영화였습니다. 아쉽게도 저희 영화제의 경쟁규정인 세편 이하의 장편이라는 규정 때문에 네 번째 영화를 부르지 못했습니다만, 두 번째나 세 번째 작품이었다면 두 편 다 불렀을 겁니다.

저는 영화에서 국적을 따지는 것은 별 의미가 없는 것이 아니지 않는가라고 생각하는 쪽입니다. 어쩌면 어떤 해에는 15편이 중국영화로 채워질지도 모릅니다. 영화가 좋다면 어쩔 수 없는 거죠. 혹은 그 해에 좋은 한국영화를 발견할 수 없다면, 이 영화제가 서울에서 열리긴 하지만 한국영화가 틀어지지 않는다고 해서 부끄러울 일이 아니라고 생각합니다. 오히려 좋은 영화가 없는데도 불구하고 여기가 서울이기 때문에 한국영화를 억지로 끼워 넣는다면 그게 저는 부끄러운 일이 아닌가 생각하는 쪽입니다.

그런 의미에서 저는 15편의 영화를 국적으로 분류하고 있지만 15명의 감독이라는 쪽으로 약간관심을 돌려준다면 15개의 다양한 가능성이라고 표현할 수 있지 않겠나 싶습니다.

감독들의 선택과 디지털 상영방식

제가 생각하기에, 올해 한국에서 만들어진 디지털 영화 중에 가장 중요한 영화가 홍상수 감독의 <밤과 낮>입니다. 필름을 고집하던 홍상수 감독이 여러 가지 이유 때문에 디지털을 선택했고, 이번에 새 영화 <잘 하지도 못하면서> 역시 디지털로 작업을 합니다. 사실 많은 감독들이 일종의 테크노포비아(과학 기술 공포증. 최신 기술에 대한 병적인 공포심)측면이 있습니다. 즉 디지포비아들이라서 새로운 매체를 터득하는 것을 꺼려합니다. 왜나면 좋은 스탭을 구하기 힘드니까. 그리고, 그 매체에 대해서 충분히 익숙하지 않은 상태에서 자기 영화가 테스트가 되는 건 별로 원치 않으니까요. 하지만 한국영화에서 중요한 이름 있는 감독들이 디지털 촬영을 선택하고 있다는 점에서 저는 많은 감독들이 더 많은 디지털 작업을 선택할 것이라고 생각을 합니다.

더군다나 많은 영화관들의 표준방식이 디지털 상영방식으로 바뀌어가고 있습니다. 필름으로 작업을 하게 되면 나중에 또 다시 디지털로 전환해야 되는 이중, 삼중을 고초을 겪느니 처음부터 디지털로 작업하는 것이 어쩌면. 저는 오히려 감독들의 예술적 선택이 아니라 영화 산업이 ‘자 당신으로 필름으로 찍으면 상영할 수 없으니까. 박물관으로 가서 상영을 해. 이제 디지털 상영방식을 선호할거야.’ 말하자면 이런 상황이죠. 모두가 토키를 찍고 있는데 혼자서 무성영화를 찍는 채플린. <모던 타임즈>는 물론 위대한 영화죠. 하지만 <모던타임즈>는 1934년에 가장 외로운 영화 중 한 편이었죠. 어쩌면 점점 빠른 시간 내에 필름으로 작업하고 있는 영화들은 점점 더 외로워지지 않을까라는 생각을 갖습니다.

디지털 방식을 주장하는 건 아닙니다. 필름이 필요한 영화들도 있습니다. 저는 두 가지의 방법이 평화롭게 공존하는 방법을 찾아볼 수는 없겠냐고 생각을 합니다. 그러나 이런 비평가의 소원과는 달리 산업이 그것을 강제적으로 통합해버릴 가능성도 무시할 수 없다는 것입니다. 사실 많은 결정들이 미학적 결정이라기 보다는 어떤 산업적 결정에 따르는 경우가 많지 않습니까? 그런 점들이 오히려 질문이라기 보다는 명령의 방식으로 집행되지 않을까라는 것이 오히려 저의 근심이에요.

박기용: 질문하신 내용 중 중국영화의 초청 편 수가 많고 한국 영화가 적은 것에 대해 말씀 드리자면, 한국에서 디지털영화가 만들어 진지 10년 정도가 됐는데 치열함이 점점 떨어지고 있습니다. 그에 비해서 중국은 치열함이 더 해가고 있다는 겁니다. 그 차이인 것 같아요. 물론 그 나라의 사회적인 분위기 등 여러 가지 이유가 있을 수 있겠지만, 똑 같은 디지털카메라, 저예산 비용, 어려운 환경, 거의 같은 환경에서 영화를 찍는다고 해도 과언이 아니라고 생각하는데, 결국은 승부가 건 대상을 얼마나 치열하게 바라보는 문제인 것 같다는 생각이 들어요. 그런 면에서 한국에서 독립영화 쪽이나 디지털영화를 만드는 감독들 혹은 앞으로 만들려고 준비하는 사람들이 저희 영화제에 와서 다른 나라 감독들의 디지털영화를 보면서 자극을 받았으면 좋겠어요.

앞으로 10년 후 시네마디지털서울의 모습을 어떻게 구상하고 있는지.

박기용: 온라인을 계속 생각하고 있어요. 시네마디지털 서울, 시네마디지털 동경, 시네마디지털 북경, 시네마디지털 싱가폴 이런 식으로 생각하거든요. 동시에 온라인으로 가능하다면, 10년 후면 기술적으로 가능할 거 같아요. 동시에 아시아 여러 나라, 여러 도시에서 영화들을 만나는 게 저희 바람이죠. 그렇게 할 수 있을 것 같고요.

정성일: 20세기 영화제의 지리적 제한, 칸느영화제는 칸느가야 되잖아요, 베를린 영화제는 베를린 가야 되잖아요. 시네마디지털 아시아 8월 20일부터 26일까지 서울, 베이징, 도쿄, 마닐라, 홍콩, 타이페이 동시에 만나는 겁니다. 각 나라마다 위원장씩 두고, 심사위원들 오시 마시고 온라인으로 마지막날 토론하고 결정 합시다. 혹은 단지 어떤 도시만이 아니라 시네마디지털 맥스무비, 시네마디지털 다음 하는 식으로 시작을 해도 된다. 말하자면 우리가 주체가 된다는 생각은 전혀 없습니다. 오히려 서로 커뮤니티를 만들어내서, 궁극적으로 맨 마지막에는 제가 제일 싫어하는 말이 글로벌레이션이니까 시네마글로벌은 너무 싫고, 구태여 이름을 붙여야 한다면 ‘시네마디지털 콤뮤’, 즉 공동체로서의 영화제를 만들 수 있다면 그것이야 말로 21세기 디지털 시대에 어울리는 영화제가 되지 않겠는가라는 비전을 가지고 있습니다.

물론 쉽게 되지 않을 것이며, 전문가들에게 상의를 해 본 결과 테크니컬 하게는 지금 당장이라도 할 수 있답니다. 당장에라도 시작할 수 있지만, 여기에 국적들 간의 자본 문제, 이해관계, 국경을 넘는 순간에 서로 다른 법적 조건들, 그리고 카피라이트 등 여러 가지 문제들이 대립하고 있기 때문에 이런 오프라인 상의 문제를 어떤 방식으로 해결할 것인가가 사실은 더 큰 벽으로 남아있는 셈이죠. 일단 비전을 향해 나아가기 위해서는 제일 중요한 것은 지금 잘 하는 것이죠. 하지만 비전을 포기하지는 않을 것입니다.

박기용: 여기서 얘기하는 온라인이라고 하는 것은 인터넷 온라인도 포함이 되지만, 그 보다는 오프라인 개념의 극장상영을 말하는 거예요. 망을 깔아서 센터에서 처리를 하면 망에 연결되어 있는 극장에서 동시에 상영을 하는 거죠. 유선이 될 수도 있고 무선이 될 수도 있고. 현재 테스트를 하고 있는데, 10년 후에는 분명히 가능해 질 거라고 생각해요. 인터넷도 마찬가지지만 극장도 중앙에서 신호를 보내면 서울에 있는 압구정 CGV, 아니면 동네에 있는 어떤 극장에서 동시에 상영할 수 있는 시스템이 가능해질 것 같아요. 인터넷 상에서는 이미 시도가 되고 있고 지금도 많은 시도를 하고 있잖아요. 물론 그것도 중요하죠.

마지막으로 올해 처음 시네마디지털서울을 찾는 맥스무비 회원들과 관객들에게 영화제를 즐길 수 있는 팁을 주신다면.

박기용: 신디클래스는 일반 영화제에서 진행하는 마스터클래스와 달리 심사위원으로 오는 감독 세 명이 자신의 작품을 상영하고, 작품에 대해 얘기하고 공유하는 자리예요. 디지털 영화 제작에 관심이 있는 분이라면 신디클래스에 오시면 디지털에 대한 두려움을 많이 없앨 수 있을 거라는 생각이 들고요. 또 하나는 신디토크. 닝 하오 감독과 봉준호 감독, 야마시타 노부히로 감독과 같이 작업했던 배두나 씨가 즉흥적으로 대화를 나누는 자리인 만큼 입장료가 있는 것도 아니고 편하게 보시면 될 것 같아요.,

정성일: 첨언 드리자면, 저희가 관객들에게 용기를 드리기 위해서 시작한 프로젝트가 트레일러입니다. 작년에는 소설가 김영하 작가, 올해 이상은 씨가 작업을 했습니다. 두 사람의 공통점은 이번에 디지털카메라를 처음 들었다는 겁니다. 김영하 작가는 디지털카메라로 저희 트레일러를 만들기 1주일 전에 매뉴얼을 보고 혼자서 동네에서 익혔고, 이상은 씨도 영화과를 다니기는 했지만, 실제로 영화를 찍어본 경험은 없었고. 두 분다 찍어본 다음에 하시는 말이 이제는 디지털 카메라가 두렵지 않다. 디지털 작업을 해보고 싶다 였어요.

이 영화제에 오시지 않더라도 지금 대한민국의 모든 핸드폰을 갖고 계신 분들은 다 디지털시네아스트들입니다. 폰카로 다 찍고 있지 않습니까? 영화제에 오셔서 경쟁영화를 보고 돌아가시면서 “그 정도 영화면 폰카로 찍어도 내가 잘 찍겠다” 내년에 폰카로 찍은1시간 반짜리 영화를 들고 오셔서 저희를 깜짝 놀라게 만든다면 저는 그야말로 기적을 목도하는 듯한 즐거움이 있지 않겠는가 그런 생각이 듭니다.

박기용: (웃음)일본에 폰카로 찍은 영화제를 트는 영화제가 있어요. (맥스무비 주-포켓 필름 페스티벌: 휴대폰으로 촬영해 제작된 단편영화들로 구성된 영화제. 지난 2006년 프랑스 파리에서 처음 시작됐으며 2007년 12월 7일부터 사흘간 일본 요코하마에서 열렸다.)

정성일: 단편이 아니라 장편이요. 폰카의 효과가 대단하잖아요? 그런 무한한 가능성과 친근감이 있는 장비가 아주 가까이 있는 건데. 디지털 카메라 하면 어마어마한 장비 이런 것들을 생각하니까. 저희가 경쟁 감독들과 관객과의 대화를 할 때, 이 감독들에게 꼭 말씀하라고 요구하는 것 중의 하나는 이 영화를 무슨 기종으로 찍었을까 거든요. (관객들이) 듣다 보면 집에 있는 자기 카메라가 더 나은 거예요. 말하자면, 결국 예술이라는 것은 얼마나 하이티컬한 장비를 가졌느냐의 문제가 아니라 상상력의 문제가 아닌가. 맥스무비 유저들께서도 더 용기를 가지길 바랍니다!

9년 연속 영화예매 1위 맥스무비 www.maxmovie.com